到底是一個展覽還是一件作品？這是許多藝術家面臨的問題，要如何安排裝置，與空間、燈光、聲音？到處都是充滿變動的注意點，「像是進入花園，你的眼睛會被光，樹影吸引，你的眼睛總是四處打轉的欣賞著。」來自藝術家Philippe Parreno自己的比喻。第一次動用了東京宮(Palais de Tokyo) 大部分的空間，從門口的外觀到階梯、電梯，東京宮所有角落都有著藝術家的影子。展覽的名稱是來自波特萊爾同名的詩，同時，也運用了Igor Stravinsky的「木偶的命運」(Petrouchka)，來作為貫串整個空間的靈魂。這是俄羅斯作曲家所編的芭蕾舞劇，關於一個木偶－—彼得魯什卡，被魔術師賦予生命後，與其他兩個木偶所發生的生死戀情。此劇別於古典的舞技法，以機械性的動作節奏深深刻畫了木偶的性格與造型。

缺席、鬼魂常是藝術家所關注的主題，就像是無人彈奏的鋼琴。藝術家以四個平台鋼琴代表鋼琴家魯迪（Mikhail Rudy）的存在，在展場不同的角落，那看不見的雙手在琴鍵上依然敲得響亮。將音樂、燈光、建築、錄像結合，藝術家巧妙地運用這些東京宮顯著的建築語言與作品結合，把東京宮轉換成大型的裝置藝術。是體驗了一場旅行，是現實與虛構之間的迂迴，是在投入與清醒之間的交界。

Parreno的《Zidane, a 21st Century Portrait》與蘇格蘭藝術家Doglas Gordon合作，總共用了十七個屏幕來捕捉席丹在最後的足球賽的身影——Real Madrid-Villareal game 2005。這十七的角度，使你的眼睛隨時緊追著席丹與球，身體必須在展場中移動，穿梭在螢幕之中。席丹自己也表示這比他接受訪問時更貼近他的自然，此作品會讓他想起他在球場專注踢球的時刻。

創作的方式總會有合作的關係，與場景設計師Randall Peacock、聲音設計師Nicolas Becker合作，或與不同藝術家共同完成作品，Parreno希望一個展覽必須與觀者對話——以共同參與的方式完成展覽。他將「木偶的命運」的節奏與精髓轉換成不同的形式，依據他們節奏來安排作品的位置，藝術家希望觀者的動線是如芭蕾舞劇中的高潮、間斷來經驗。在東京宮底下的暗黑空間，燈光裝置如交響樂般亮起、暗去、閃爍，許多觀者在此逗留許久，是用眼睛來感受節奏。

Parreno與Pierre Huyghe在幾年前一起在日本買下了動漫人物的版權：AnnLee，再由幾位藝術家來詮釋不同形式與不同內容的故事——《No Ghost just a Shell》。影片結束後出現了真人，在觀眾面前問道：”What is the difference between a sign and melancholia? ”意示著它的憂鬱，是因為它永遠沒有自己的能力進入或離開這個世界，沒有目的，它是一個信號，一個標誌。

當我們沉浸於一本書、一首歌、一場電影，我們的存在在這個世界裡還剩下多少？

《Marilyn, 2012》 拍攝於五零年代，瑪麗蓮夢露常住的華爾道夫飯店。鏡頭起於窗戶，外面下著雨，陽光依然灑進套房中。我們像是透過瑪麗蓮夢露的雙眼，停留或轉移視線、游移在家俱之間，桌上還有兩個酒杯。她以她特有的口吻敘述著：「花瓶中插著金黃色個百合，白色的電話在桌子的右邊角落，還有一個打字機...」，鋼筆正在紙上寫字，是她的字跡。我們或許還期待著看見瑪麗蓮夢露的身影，而鏡頭漸漸拉遠，是一個大型機械不停複寫著她的字跡，套房搭設的場景露出。她的眼睛只是攝影機，電腦重組了她的聲音，一切只是在攝影棚。

當我們買票進入展場，會附送一個半透明盒子裝著的DVD，什麼包裝都沒有。播放一次之後影片就會自動消除。此片為《Precognition》，其中包含了瑪麗蓮夢露的影片，與另一部《C.H.Z》(Continously habitable zone)。持續討論著現實世界虛擬的界線，Parreno像是寫著樂譜，擬好劇本來建構這個空間，在展覽開場大螢幕上的木偶，機械地用鋼筆在紙上寫下：” What do you believe your eyes or my words ? ”

 

* Philippe Paerrno於1964年出生於法國，目前創作居住於巴黎。

 

 

 

text/ 巧恩